Qu’est-ce que l’Art?

Très peu d’artistes correspondent au stéréotype de la souffrance pour leur art, mourant de faim dans un grenier non chauffé, produisant un chef-d’œuvre non reconnu après l’autre, et obtenant finalement la reconnaissance sur leur lit de mort. L’image de l’artiste en tant que génie solitaire et négligé est attrayant mais trompeur. La réalité est beaucoup plus prosaïque. La plupart des artistes sont compétents dans leur métier, travailleurs, professionnels et conscients de leur potentiel commercial, gérant souvent des studios bien organisés avec des assistants, un peu comme un cabinet d’architecture moderne. L’artiste dont le talent est méconnu de son vivant est rare. Beaucoup plus courant est l’artiste qui s’attire des éloges et une reconnaissance somptueux de son vivant pour sombrer dans une obscurité irrécupérable, une note de bas de page dans l’histoire de l’art plutôt qu’un chapitre.

L’ARTISTE A TRAVERS L’HISTOIRE

Cela ne veut pas dire que le rôle de l’artiste ne change pas. Il est possible d’identifier trois tournants où le rôle de l’artiste et sa relation avec le reste de la société se sont profondément modifiés. À l’époque antique, classique et médiévale, les artistes étaient essentiellement des artisans qualifiés travaillant pour un employeur tel qu’un monarque, l’Église ou une entreprise. organisation. Leurs activités étaient soutenues et réglementées par un organisme professionnel ou une guilde. Au début du XVIe siècle, Léonard de Vinci soutenait que l’artiste devait être traité comme l’égal social et intellectuel des aristocrates et érudits. Les grands artistes de la Haute Renaissance partageaient cette aspiration, et l’épanouissement majestueux de leur art prouve à quel point ils réussissaient dans l’établissement de ce rôle. Il convenait à la fois à l’artiste et au mécène et perdura jusqu’à la fin du XIXe siècle. Elle a permis aux artistes de jouer pleinement leur rôle dans la société, devenir les confidents des rois et des papes, et parfois même agir comme diplomates et courtisans.

CHANGEMENT RADICAL

La Révolution française de 1789 a introduit de profonds changements politiques et sociaux. Le monde privilégié de la monarchie et de l’aristocratie a commencé à décliner. Avec un nouveau sens de l’individu et la liberté dans l’air, l’art attire de nouvelles personnalités qui auparavant auraient ignoré une vie artistique. L’esprit romantique a exploité cette liberté pour exprimer des émotions individuelles et créer de l’art sur des expériences personnelles. La tradition classique, avec son admiration pour l’antiquité et sa formation professionnelle disciplinée, continue de s’épanouir aux côtés du romantisme, mais elle est en déclin. Cet esprit d’indépendance a conduit à un tournant dans la seconde moitié du XIXe siècle et à un nouveau rôle pour l’artiste. Le changement a été exposé avec la plus grande force par le radical Peintre français, Gustave Courbet, qui a soutenu que le véritable artiste devrait être un étranger au reste de la société, libre de toutes les conventions sociales normales et libre de fixer ses propres règles. L’idée était puissante, en particulier pour les jeunes mécontents, dont beaucoup souhaitaient établir un nouvel art qui aborderait les problèmes au cœur de la société industrielle et de la nouvelle conscience des relations humaines et des émotions révélées, par exemple, par l’analyse freudienne. C’était une condition nécessaire au développement de l’Art Moderne, et a conduit à un chapitre rare de l’histoire de l’art où la motivation première de l’artiste n’était pas la reconnaissance généralisée, l’avancement professionnel, la richesse, ou la réussite sociale, mais une volonté de réformer la société et les rapports humains et littéralement de changer notre façon de voir le monde.

L’ARTISTE AUJOURD’HUI

Le tournant le plus récent s’est produit dans les années 1960 et le défenseur le plus éloquent d’un autre rôle pour l’artiste était Andy Warhol, qui a trouvé l’image de l’artiste comme réformateur sans le sou, dépassé et peu attrayant. Il voulait que les artistes partagent les avantages matériels de l’après-guerre et a soutenu qu’ils devraient avoir un rôle dans la société semblable à celui des dirigeants ou des hommes d’affaires de Madison Avenue Advertising. Si vous regardez le mode de vie et les carrières de la plupart des jeunes artistes nés depuis les années 1960, vous pouvez voir qu’ils ont, dans l’ensemble, embrassé les idées de Warhol avec enthousiasme. L’artiste d’aujourd’hui est souvent un homme d’affaires ou une femme prospère (ce n’est pas un concept si nouveau en soi) vendre à des institutions ou à des clients privés tels que de grandes entreprises ou des millionnaires sur Internet. Un raffinement récent est la prise en charge par l’artiste d’un rôle de gestion où l’artiste ne crée pas une œuvre d’art de manière traditionnelle, mais promeut une idée. ou concept, souvent en collaboration avec d’autres créatifs, puis le gère comme un projet ou une installation, déléguant la fabrication physique ou l’assemblage des composants à sélectionner les sous-traitants.

MÉCÈNES ET MÉCÉNAT

Un mécène est une personne qui fournit l’aide financière nécessaire à un artiste pour créer une œuvre à partir de rien. Au début de la Renaissance, le patronage de l’une des cours nobles ou de l’Église était le cadre essentiel dans lequel un artiste était obligé d’opérer, et l’influence d’un mécène créatif et imaginatif était immense. Tout monarque qui se respecte devait désormais être un mécène des arts, et cette tradition s’est poursuivie même au XXe siècle. Les dirigeants européens ont consciemment utilisé des œuvres d’art pour accroître leur prestige, leur crédibilité et leur pouvoir politique. L’Église employait l’art dans un manière similaire de diffuser le message chrétien et de promouvoir son rayonnement. Sans un tel mécénat, les grands artistes de la Renaissance et du XVIIe siècle, comme Michel-Ange et Rubens, n’auraient jamais pu créer leurs chefs-d’œuvre.

COLLECTIONNEURS ET REVENDEURS

Collectionner des œuvres d’art sans mécénat est une autre affaire. Elle suppose de collectionner l’art du passé aussi bien que celui des artistes vivants. Si l’on devait nommer une figure de parrain, ce pourrait être Cosme Ier de Médicis (1519-1574). Cosimo a utilisé l’art pour consolider le pouvoir commercial et politique, mais il collectionnait aussi pour le plaisir. Collectionner est donc un aspect de ce concept de personnalité individuelle qui est au cœur de la plupart des arts et pensée. Cosimo a également été influencé par son amour de l’antiquité. Cherchant à imiter les ambitions de la Grèce classique et de Rome, il découvrit comment les Romains avaient été collectionneurs passionnés et achetaient et vendaient des œuvres d’art aux enchères.

Les collectionneurs privés, les marchands et les commissaires-priseurs ont prospéré dans la nouvelle République marchande néerlandaise au XVIIe siècle. Une grande partie du cadre du marché de l’art d’aujourd’hui a été établi puis, mais l’âge d’or pour le marchand était le 19e siècle et le début du 20e siècle. Beaucoup d’entreprises célèbres d’aujourd’hui ont été fondées alors, et de nombreuses grandes œuvres d’art, destinées à un cadre particulier dans une église ou un palais, ont été arrachés à leur contexte d’origine, vendus par des marchands à des clients privés, et sont finalement venus orner les galeries nationales du monde. D’autres marchands ont effectivement agi en tant que mécènes pour les jeunes artistes.

HISTOIRE DE L’ART

Il existe de nombreuses façons de voir et de parler de l’art. Lorsque la reine Victoria et le prince Albert ont voulu développer leur appréciation de l’art, ils ont fait une distinction entre les deux mots, faux et faux. Un faux est une œuvre d’art fabriquée ou modifiée de manière à paraître meilleure, plus ancienne ou différente de ce qu’elle est. Une contrefaçon est une chose faite en imitant frauduleusement une autre chose. Tout au long de l’histoire, les gens ont produit ce qu’ils prétendent être des peintures perdues de Léonard ou de Vermeer, par exemple, qu’ils ont créées avec une grande habileté dans leurs ateliers. De telles œuvres ne sont pas des faux mais des contrefaçons. suivent la mode de leur époque et prennent des cours de dessin et de peinture. Aujourd’hui, ils s’inscriraient à un cours d’histoire de l’art. L’histoire de l’art en tant que matière académique a effectivement commencé en Allemagne à la fin du XIXe siècle. Il a apporté discipline, rigueur et objectivité à un sujet notoirement flou. Il a sauvé de nombreuses réputations et même prouvé l’existence d’artistes oubliés. Mais l’histoire de l’art a aussi un revers. Les œuvres d’art ne sont pas seulement des documents historiques. L’art a la capacité de s’engager avec les individus et de créer des expériences qui peuvent aller des larmes à l’extase. Au pire, l’histoire de l’art peut réduire même les plus grandes œuvres d’art à une liste fastidieuse de faits. Il y a un danger que l’on puisse devenir tellement obsédé par «l’histoire» que tout ce qui est «ancien» en vient à être aveuglément vénéré comme les ossements de saints morts depuis longtemps.

LA CRITIQUE D’ART

Une bonne critique d’art respecte les faits et l’histoire mais s’intéresse principalement aux jugements de valeur. Il interroge et sonde le but, les intentions d’un artiste. et la capacité technique, se demandant si le résultat final correspond à ce que l’artiste s’est proposé de faire. De même, dans une exposition d’art historique, telle qu’une exposition, le critique doit examiner la validité de l’interprétation du conservateur. Pour l’art contemporain, le critique doit couper à travers la rhétorique somptueuse, qui lui est souvent abondée par les conservateurs et les marchands, pour déterminer le véritable mérite de ce qui est promu. De nombreuses réputations et beaucoup d’argent reposent sur le boom actuel de l’art contemporain et il existe une tentation dangereuse, alimentée par la suprématie de l’histoire de l’art, de traiter instantanément chaque nouvelle manifestation et chaque nom de star comme historiquement significatif.

C’est malhonnête puisque, dans n’importe quel domaine de l’activité humaine, la question de savoir si ce qui se passe aujourd’hui aura une signification à plus long terme dépend presque entièrement de ce qui se passera demain, et cela est complètement imprévisible et inconnaissable.

LE CHEF-D’ŒUVRE

L’idée de « chef-d’œuvre » est-elle valable aujourd’hui ? Le terme implique l’excellence et l’opportunité de pousser les compétences techniques individuelles, les idées et l’innovation à leurs limites. En fin de compte, cela suggère l’identification de ces quelques œuvres qui ont la capacité d’inspirer l’émotion et de communiquer du sens longtemps après leur création. De nombreuses œuvres d’art parlent puissamment à la génération pour laquelle elles ont été créées, mais très peu ont le pouvoir de continuer à parler de manière significative aux générations suivantes. L’origine du terme « chef-d’œuvre » remonte à l’époque où les artistes étaient considérés comme des artisans. C’était la pièce que l’artiste a présentée à la guilde pour prouver sa capacité et gagner le rang convoité de « maître ». Lorsque le système de guilde est devenu obsolète et que le rôle de l’artiste a changé, le mot a perdu ce sens et s’est attaché à ces œuvres exceptionnelles dans lesquelles un artiste est jugé pour déployer toute la gamme de ses pouvoirs. Pourtant, le mot est galvaudé. L’histoire est jonchée de noms d’artistes qui ont été salués comme le « Michel-Ange de notre temps », mais qui méritent maintenant à peine d’être mentionnés. De même, les génies, tels que van Gogh, qui ont été négligés de leur vivant uniquement pour que leurs chefs-d’œuvre soient découverts après leur mort, sont étonnamment peu nombreux et espacés. Et il y a ces artistes de second ordre intéressants qui parviennent à produire juste une ou deux œuvres exceptionnelles dignes de la description de « chef-d’œuvre ». Le goût et la perception changent également. Peu de gens nieraient que pour nous, la Naissance de Vénus de Botticelli est l’un des premiers chefs-d’œuvre de la Renaissance. Pourtant, de son vivant, le style de Boticelli a été condamné comme démodé et son nom est tombé dans l’oubli jusqu’à ce que ses œuvres soient redécouvertes à la fin du XIXe siècle.

HARMONIE ET ​​IDÉES

Qu’est-ce qui fait un chef-d’œuvre ? Il y a peut-être deux choses à rechercher.

Premièrement, une unité complète entre le sujet, le style et la technique. Les peintures de Raphaël de la Vierge à l’Enfant en sont un bon exemple. Le style harmonieux et gracieux de Raphaël et sa technique sans faille complètent parfaitement les qualités qu’il cherche à dépeindre dans son sujet divin. Deuxièmement, et tout aussi familière à Raphaël, est la croyance que l’art devrait exprimer une idée plus grande que l’art lui-même. Sans une telle conviction et un engagement à communiquer cette idée aux autres, tout art, aussi accompli techniquement soit-il, se limite à la décoration et à l’illustration. Les compétences techniques peuvent remplir et décorer des espaces, mais seule une idée se connecte à un niveau plus profond avec les besoins des autres et peut changer notre façon de voir les choses. Les artistes vivent et travaillent dans un monde peuplé de mécènes, de collectionneurs, de marchands, d’institutions artistiques et d’autres artistes. Se démarquer de la foule demande du courage et de l’individualité. Seuls ceux qui sont dotés d’une profondeur de vision hors du commun, et qui utilisent l’art, non comme une fin en soi ou comme un moyen de gratification personnelle et commerciale, mais comme un moyen d’essayer de dire une plus grande vérité humaine ou spirituelle, sont ceux qui réussira à créer des chefs-d’œuvre qui peuvent survivre au jugement du critique le plus sévère de tous les temps.